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domingo, 8 de mayo de 2016

Metallica, Estadio Vélez Sarsfield (sábado 8 de mayo de 1993)


El 8 de mayo no es una fecha más en mi vida: es el día que marcó mi debut en los recitales de Rock, veintitrés años atrás.

Para 1993 apenas tenía 13 años pero ya había escuchado un gran porcentaje de discos imprescindibles de la historia del Heavy Metal. AC/DC, Iron Maiden, Judas Priest, Hermética, Anthrax, Sepultura, Megadeth y Ozzy eran artistas que seguía y adoraba con pasión pero ninguna, con la salvedad de Guns N' Roses, alcanzaba el status que Metallica me generaba. Cuando para comienzos de aquel año se anunció la visita del cuarteto de California a Buenos Aires, comencé a insistir a mis padres para lograr el añorado ticket, que finalmente fue adquirido en un Musimundo por partida doble, ya que mi viejo, que no nunca fue rockero -aunque este fue su momento bisagra- ¡se copó y me acompañó! Los preparativos para el show fueron hermosos: terminé de completar mi discografía (en cassette) e incluso compré una remera hermosa, tal vez mi favorita entre todas las que actualmente tengo. Sobre la marcha, la fecha del sábado 8 de mayo se agotó, por lo que se agregó una función para el viernes 7, show que transmitió la Rock & Pop en vivo y en directo y que por supuesto escuché de principio a fin.

¿Qué decir sobre aquel 8 de mayo? Tantas cosas... Primero, que la ansiedad me ganó de mano y le pedí por favor a mi padre de estar en el estadio de Vélez a las 11 AM. Una locura total, pero bueno allá fuimos por Juan B. Justo, yo luciendo mi ropa favorita de aquel momento, mi remera nueva de 'Tallica y una campera bordó a la que le había pintado el logo de la H con tinta china. La fila para entrar al campo era inmensa y delante nuestro teníamos a unos fans que se habían venido desde Corrientes que en un toque le pidieron guita a mi viejo para comprar vino de cartón en el Carrefour de enfrente y cuando volvieron con los tetras en la mano lo primero que hicieron fue ofrecerle un sorbo. Hermoso.

Entrar al campo de juego fue un momento imborrable. No importaba más nada en el mundo, solo quería ir corriendo lo más rápido posible hacia el vallado y ver de cerca la batería de Lars Ulrich, que lucía hermosa, radiante, sobre una tarima. Pero claro, jamás iba a contar que de a poco el estadio fue llenándose de ávidos metaleros que inconstantemente hacían pogo con la música que sonaba por los parlantes, incluso levantando las telas que protegían el césped para revolear a aquellos atrevidos que se animaban a volar con sus mechas al aire. Ese desmadre generó que retrocediéramos sobre nuestros pasos, ubicándonos sobre una de las populares. A nuestra derecha se sentó un flaco con una remera blanca con una estampa de un tipo pelado, con tatuajes y cabeza rapada. El mismo pibe nos sugirió que nos acercáramos al campo, que viéramos el show ubicado al costado de la torre de sonido, así que le hicimos caso y para allá fuimos los tres, porque el pibe había ido solo y no tenía con quien conversar. De repente, una música sumamente veloz y machacosa atronó por los parlantes y la gente se transformó: el estadio entero se transformó en un desmadre. Le pregunté a nuestro nuevo amigo qué banda era ya que yo no tenía la más puta idea y se señaló su remera: era Pantera con "Fucking Hostile" y el tipo de su remera era Phil Anselmo. Esa fue las últimas palabras que nos cruzó el muchacho, ya que se entremezcló en el pogo y no volvimos a verlo. Imaginen la situación: mi viejo no sabía qué carajo hacer, me aferraba entre sus brazos pero el estadio ya estaba bastante colmado de gente y nos íbamos de un lado para el otro. Hasta que apareció una mano salvadora.

Ni bien terminaron los estruendosos acordes de Pantera, se nos acercaron dos tipos, uno de ellos hablaba en inglés y el otro traducía. El norteamericano se presentó como Jay Jay y dijo ser iluminador de Metallica. Prosiguió aclarando que Metallica siempre pregona la integridad de sus fans e hizo hincapié en que mi viejo y yo corríamos peligro si nos quedábamos en el campo, por lo que procedió a invitarnos a la torre de sonido/luces para que podamos disfrutar del show con comodidad. ¿Lo pueden creer? Ahí estábamos mi padre y yo, sentados en una ubicación preferencial, recibiendo constantemente botellas de Gatorade sacadas de una heladera que pertenecía al personal de Metallica, viendo como de a poco se iba llenando el estadio, conversando con el personal de Cruz Roja, que no paraba de atender ebrios que se habían pasado de rosca.

Con ese panorama, salió a tocar Horcas, técnicamente la primera banda que vi en vivo en mi vida. Tengo flashes del operador de sonido laburando y puteando constantemente, dejando en claro a propios y extraños que no estaba de acuerdo con el resultado de su trabajo. A mí poco me importaba, porque poco tiempo antes había conseguido "Oíd Mortales el Grito Sangrado" y el quinteto basó su presentación en ese material. A mi entender, Horcas jamás pudo replicar la fórmula lograda con aquella formación, donde además del entrañable Osvaldo Civile y Hugo Benítez destacaban Oscar Castro (un verdadero tapada) y el Ganzo, un batero de primer nivel internacional. Mientras Horcas se encontraba en la mitad del set, se acercó al mangrullo  el resto de la crew Metallica, entre ellos el sonidista, que nos quiso rajar a la mierda pero gracias nuevamente a la injerencia de Jay Jay (que dijo que éramos "invitados de Metallica") pudimos permanecer en nuestras cómodas sillas.

Tras una breve presentación del "Ruso" Verea, Metallica se apoderó del escenario y mi vida no volvería a ser la misma: todo lo que incluyó verlos en vivo fue una revelación. No olviden que para mayo de 1993 el grupo llevaba prácticamente dos años de gira presentando el "Black Album" pero sobre las tablas no mostraron ningún ápice de decaimiento (muy lejos de aquel "agotamiento físico y mental"). Lars se ubicaba en mi podio pero quien se ganó todo mi aprecio a base de huevos fue Jason Newsted, un tipo que aún al día de hoy no pudieron reemplazar con corrección.

Temas más, temas menos, el setlist fue el que pocos meses después vería la luz en el boxset "Live Shit", pero sin dudas que más allá del plano musical, esta experiencia marcó quien soy.

¡Y eso que no les confesé que todavía lamento no haber comprado el libro de la gira!

miércoles, 27 de abril de 2016

"Use Your Illusion I" vs. "Use Your Illusion II"



A casi 25 su edición, los dos tomos de "Use Your Illusion" probaron ser una de las obras más ambiciosas de la historia de la música, a un pasito de la ópera rock. Lanzados en una época donde las ventas eran aún relevantes, Axl los Guns N' Roses exprimieron todo su caudal compositivo, en un hecho que les trajo consecuencias nefastas: el despido de Steven Adler y la posterior salida de Izzy Stradlin.

Como en todo disco doble (¡de cuatro vinilos!) hay canciones para enmarcar y otras para descartar pero lo asombroso es que un enorme porcentaje de ellas son lo suficientemente contundentes como para haberse ganado su lugar.

Aquí, mi análisis y voto de cada una de ellas.

Nota: La idea es analizar tema vs. tema. El "Illusion I" contiene 16 canciones y el "II" 14, por eso no compiten "Dead Horse" ni "Coma", tal vez la composición más ambiciosa en la garrera de los Guns.

#1: “Right Next Door to Hell” vs. “Civil War”

El éxito descomunal de “Appetite for Destruction”, continuado por el transicional “Lies”, generó altísimas expectativas frente al nuevo trabajo de los Guns N’ Roses, por ende, el comienzo (de una obra doble) debía ser fundamental. “Right Next Door to Hell” es, ante todo, una declaración de principios: feroz, punzante, caótica y agresiva, reúne todos los elementos que formaban parte de la vida cotidiana gunner de por aquel entonces. Si bien está lejos de ser uno de los temas más sobresalientes que hayan compuesto, fue una efectiva bandera plantada, una patada en la nuca a todas las expectativas y a un supuesto ablande al que muchos grupos recurren en su momento de mayor popularidad. Basada en un hecho real (en el que Axl habría atacado físicamente a una vecina), las estridentes guitarras remiten a los comienzos del conjunto.

Por su parte, “Civil War” es lisa y llanamente una de las más logradas composiciones de los oriundos de LA. Toda en ella es perfecto: la intro con el diálogo de “Cool Hand Luke”, el arpegio de la guitarra acústica, el recitado de Axl, las líneas de bajo y el tremendo groove de la batería, cortesía de Steven Adler en lo que fue su última grabación con el grupo. Las guitarras distorsionadas generan un in crescendo que derivan en una melodía inspiradísima de Slash y su wah wah. No hay comparación posible entre un tema de relleno y un clásico irrefutable.

Ganador: “Civil War”

#2: “Dust N’ Bones” vs. “14 Years”

Gran porcentaje de la composición y personalidad de GNR fueron virtudes de Izzy Stradlin, que en estas dos canciones se hace cargo por primera vez de la voz líder. Izzy posee una voz cansina y rasposa que emula a sus mayores mentores (Keith Richards, Andy McCoy) que calza a la perfección en ambas canciones. Si bien Stradlin es el compositor principal de ambas, en “14 Years” resigna protagonismo en pos de una soberbia performance de Axl en el piano. “Dust N’ Bones” tiene una letra maravillosa y un ritmo más llevadero, además de un estribillo más potente y consistente.


#3: “Live and Let Die” vs. “Yesterdays”

Primer choque de cortes de difusión. Desde sus comienzos los Guns se caracterizaron por tributar con holgura a sus referentes principales. “Live and…” -original de los Wings de Paul McCartney- es la prueba fehaciente de la enorme habilidad del devenido sexteto para transformar composiciones ajenas en propias, en donde pasan soberbiamente de la explosión del riff principal a la implosión de la base rítmica en plan reggae. Un ataque sonoro casi infalible que solo puede perder con una composición propia del calibre de “Yesterdays”, en plan Rock tradicional, sin las capas de guitarras distorsionadas que pululan en los Illusion y que muestran la faceta más despojada y primitiva de los GNR. Otro hit que en vivo nunca contó con su merecida interpretación.


#4: “Don’t Cry” vs. “Knockin’ On Heaven’s Door”

Aunque parezca irrisorio, “Don’t Cry” fue contemplada y grabada en las sesiones de “Appetite…” pero finalmente el conjunto se decidió por no incluirla en el producto final y la decisión, a la distancia, pareció ser acertada: el tema se convirtió en un hitazo que inundó FM’s alrededor del planeta, convirtiéndose en una de sus canciones más populares y solicitadas en el directo. Una balada de una progresión que bien pudo haber sido del montón pero claro, esto es Guns N’ Roses y Axl & Slash, con sus sendas interpretaciones, le suman dos o tres puntos (Shannon Hoon, la voz invitada, también la rompe). El video es antológico y demuestra el sentido del humor del grupo con el cartel “Where’s Izzy”, siempre reticente a ese tipo de actividades. La salida de Steven Adler significó más que la pérdida de un baterista: sin él, “Knockin’ on…” nunca tuvo razón de ser. La versión grabada para el “UYI II” es fría, seca, carente de emotividad y está lejos de ser el sentido homenaje a Todd Crew (Jetboy).


#5: “Perfect Crime” vs. “Get in the Ring”

Quinto tema del “Illusion I” y otra vuelta a las raíces: “Perfect Crime” es agresiva en su esencia y en su implementación, a puro riff guitarrero y con un Axl al tope de sus posiblidades. “Get in the Ring” pasó a la historia por su proclama anti-prensa más que por su consistencia musical (aunque vale mencionar que es fuerte e impactante).


#6: “You Ain’t the First” vs. “Shotgun Blues”

O Stradlin vs. Rose. “You Ain’t…” es otra de las composiciones que remite a las raíces gunner en formato acústico y un aire despojado que huele a Stones por todos lados. “Shotgun…” es poderosa, pero sumamente intrascendente.


#7: “Bad Obsession” vs. “Breakdown”

Acá la diferencia la marca una sola persona: Michael Monroe. El ex Hanoi Rocks figura como invitado tocando la harmónica en “Bad Obsession”, otro momento donde los Guns se muestran intimistas, en su salsa. “Breakdown” es otra de esas composiciones intrincadas y sumamente efectivas de Mr. Rose pero no se puede competir con el otro gigante.


#8: “Back Off Bitch” vs. “Pretty Tied Up”

En una placa doble (de cuatro vinilos), con un total de treinta canciones, es más que obvio que al menos se incluya una canción de relleno. “Back Off…” es el ejemplo más emblemático: densa, aburrida, misógina y encima araña los cinco minutos de duración. Por algo la descartaron para las sesiones de “Appetite…”. “Pretty…” es otra de las maravillas de Stradlin y el primer tema que el mundo conoció de estos discos. Climática y atmosférica, súbitamente quedó fuera de los sets en vivo y no estaría para nada mal que la vuelvan a incluir.


#9: “Double Talkin’ Jive” vs. “Locomotive”

La primera es otra de las composiciones simplonas pero llenas de groove y onda que caracterizan a Izzy (que otra vez se encarga de la voz líder); la segunda es una intrincada obra pergeñada por Slash y Rose. “Double…” ganó protagonismo, además de su excelente outro a pura guitarra española, por su inclusión en el playlist. “Locomotive” es un tanque, un ida y vuelta frenético que para su parte final encuentra a los Guns emulando a los Stones de “Simpathy For the Devil”. Apabullante.


#10: “November Rain” vs. “So Fine”

“November Rain” es el monstruo de Axl, una composición fina por donde se la mire y analice, que para 1991 dotaba con varios años en desarrollo (incluso hay un demo acústico dando vueltas) y que finalmente encontró su lugar en un disco. Con la mano en el corazón, no representa en lo absoluto en las raíces hard rockeras del conjunto pero no necesariamente tiene que ser así. De hecho, a claras luces habla de la evolución musical de sus integrantes, evidenciable en la soberbia performance de Slash, redondeando una perfección asombrosa que en el Rock no se encontraba desde “Bohemian Rhapsody”. Duff se erige como protagonista en “So Fine”, un temazo de la hostia que tiene todos los matices que describen al blondo bajista (sutileza, empuje, fiereza Punk) pero que no alcanza a superar a un clásico indiscutible.


#11: “The Garden” vs. “Estranged”

“The Garden” es uno de los picos del “Illusion I”, sutilmente trackeada a continuación del estruendoso final de “November…”. El in crescendo de la guitarra logra su pico máximo en el estribillo, que para colmo cuenta con la participación del gran Alice Cooper. “Estranged” es uno de los picos en la discografía de Guns. Perfecta, emotiva y con un punteo inolvidable de Slash (“thanks Slash for the killer guitar melodies” dice Axl en el booklet), “Estranged” pelea palmo a palmo con “November Rain” como composición más perfecta desde “Bohemian Rhapsody”… y le gana. La letra es otra muestra de la brillante pluma de Axl (cuando no tiene que putear a una ex).

Ganador: “Estranged”

#12: “Garden of Eden” vs. “You Could Be Mine”

“Garden…” es sin dudas la canción más agresiva y en tu cara de los dos discos. Bien al palo y un ritmo frenético, respeta la esencia del “Appetite…”. El video clip pertinente no puede ser pasado de largo, con una cámara fija delante de la banda, en evidente contraste con otras mega producciones multimillonarias. Pero “You Could…” es una bomba, clásico de clásicos y para colmo fue incluido en “Terminator II”.


#13: “Don’t Damn Me” vs. “Don’t Cry (Alt. Lyrics)”

En una caso casi sin precedentes, “Don’t Cry” vuelve a aparecer con una letra cambiada. Funciona más a modo de detalle o rareza, porque “Don’t Damn Me” es otro punto sobresaliente y a veces muy injustamente pasado de largo en la discografía del conjunto.


#14: “Bad Apples” vs. “My World”

Acá tampoco hay mucha comparación. De “My World” no hay mucho para decir salvo que es un embrión del Nü Metal. ¿No me creen? Vuelvan a escucharlo. Su inclusión evidencia la enorme ascendencia de Axl en el grupo. Al igual que “Don’t Damn Me”, “Bad Apples” es otra gran composición un tanto menospreciada, ideal para escuchar en un pub con cerveza en mano.

viernes, 24 de abril de 2015

Fiebre de Slayer por la noche


Se hizo de noche y me dispuse a escuchar música con los auriculares puestos. La medida de Jack Daniel’s con un hielo ya había sido servida por lo que necesitaba tomar una decisión urgente. Mi cuerpo lo pedía y apenas divisé mis discos ahí estaba: “Seasons in the Abyss” de Slayer.

En la industria musical existe un lema que indica que el quinto disco de una banda es determinante. Hay excepciones, claro: para “Reignin Blood”, el tercero, Slayer ya era considerada como la banda más jodidamente hija de puta del planeta tierra. Pero volviendo a “Seasons…” hay algo en esta placa que lo hace única, un elemento que jamás pudo ser replicada por los infinitos clones de Slayer que pululan el planeta tierra. Los riffs intrincados dicen presente desde el segundo cero con “War Ensemble” e incluso temas como “Hallowed Point” podrían haber estado en cualquiera de sus discos previos; otros, como “Expendable Youth” y “Dead Skin Mask”, bajan un cambio en velocidad pero no en intensidad. Mi favorita es “Spirit in Black”, un tema de esos que tienen todo: arranque furioso, riff asesino, groove en el estribo y un cambio de ritmo feroz. Además, choreé ese riff más de una vez…

Sin dudas la perla blanca es “Seasons in the Abyss”. Nunca Slayer sonó tan ajustado y arriesgado, con arpegios y un clima que te pone la piel de gallina; tan sólo la intro dura más que la mayoría de las canciones de “Reign…”. A veces es injusto trazar paralelos, pero “Seasons…” es el equivalente a un “Master of Puppets” de Metallica.

Argentina siempre fue un país relegado en cuanto a visitas internacionales se refiere y Slayer recién llegó al país para el Monsters of Rock de 1994 (grilla que completaron Gatos Sucios, Hermética, Black Sabbath y KISS). Esa misma noche, en pleno mosh, se me acercó un chabón muchos años mayor que yo y me inquirió “flaco, ¿cuál es Jeff Hanneman y cuál es Kerry King?”. Claro, sin banda ancha y con cassettes grabados no había forma de enterarte del look de cada uno de ellos sin ser un voraz lector de revistas, como yo siempre lo fui. Me perdí tan solo dos visitas del conjunto: la segunda noche de los memorables Obras de 2006 y la última, como soporte de Iron Maiden.

En fin, mientras escuchaba “Seasons…” no podía evitar pensar que en pocos días se van a cumplir dos años de la muerte de Hanneman y que Lombardo ya no está tras los parches. O sea, que Slayer ya no es Slayer. Pero algo en mi corazón hace que los siga queriendo como aquella primera vez en que los escuché.

sábado, 25 de enero de 2014

20 discos a 20 de 1994 pt. IV

Pudieron haber sido 40 o 50, pero fueron 20. Arbitrario, sí, pero hay que darle un cierre. Recuerdo a los carcamanes de siempre poner el grito en el cielo por toda la música nueva pululando o de los cambios que los grupos sufrían en su propuesta. El tiempo, ineroxablemente, logró poner las cosas en su lugar y sin lugar a dudas 1994 fue uno de los más prolíficos años de la década, que llegó a su fin en 1996/97 de la mano del estallido del Nü Metal.

ALICE IN CHAINS
“Jar of Flies”

Un mini álbum que confirmó todas las variantes y el potencial compositivo de una banda dispuesta a codearse con los más grandes. Profundizando aún más la faceta acústica esgrimida en “Sap”, los AIC se despacharon con hits atemporales, como “I Stay Away” o “No Excuses”, que probó que el tándem Staley/Cantrell no sólo atravesaba un grandísimo momento: habían nacido para retroalimentarse.

THE ALMIGHTY
“Crank”

Hay una sólo crítica que le realizo al cuarteto escocés: sus discos siempre sonaron acorde a la época en que se editaban. Por ende éste, al haber sido editado en 1994, tiene una impronta Punk que ajustó cada una de las canciones. La labor del productor Chris Seldon también es para destacar, ya que fue su virtud homogeneizar y canalizar tanta violencia en un paquete sónico demoledor. Gracias a esta placa pude disfrutar su show como soportes de Megadeth, algo que no muchos pueden afirmar.

KYUSS
“Sky Valley”

Otro disco determinante, definitorio y cumbre en la década. “SkyValley” fue la prueba suficiente de que “Blues for the Red Sun” no se trató de un simple buen momento de un cuarteto aficionado a los sonidos valvulares, las zapadas desértica y la marihuana. El Stoner encontró su punto álgido y jamás pudo volver a sonar así. Claro, pasaron casi de largo y unos meses más tarde se estarían separando pero el tiempo no pudo ignorar semejante maravilla.

2 MINUTOS
“Valentín Alsina”

El disco que la música nacional estuvo esperando durante años. 2 Minutos llevó el mensaje de la calle a un formato punk rock cancionero que desoyó de sutilezas sonoras o afinaciones guitarreras. Los dinosaurios pusieron el grito en el cielo pero la honestidad de estas canciones se antepusieron en un momento donde lo cool estaba a la orden del día.

PANTERA
"Far Beyond Driven"

"Ser Manejado Desde el Más Allá" sería la traducción más aproximada de esta placa y ciertamente desde "el más allá" provino la energía para que los Cowboys del Infierno le dieran un enorme fuck you a la industria discográfica. ¡Nunca una banda número 1 del Billboard sonó tan pesada! En una clara respuesta directa al glorioso "Vulgar Display of Power", Pantera aquí se despachó con más violencia que nunca. Siempre con los dientes apretados, sin concesiones y con una calidad de los tocados por una barita.

miércoles, 22 de enero de 2014

20 discos a 20 de 1994 pt. III


DEMOLITION 23.
“Demolition 23.”

Todavía recuerdo patentemente haber escuchado por primera vez “You Crucified Me” en la radio: ¡no podía creer tanta calidad! Sin dudas uno de los puntos más altos en la discografía de mi amado Michael Monroe, que acá suena con más ímpetu y frescura que en sus días de Hanoi Rocks. Demolition comenzó como una banda de covers que contaba con cantantes invitados (Sebastian Bach, por ejemplo) para transformarse en un combo que tributa a las raíces punks de sus integrantes, entre los que se encontraba Sami Yaffa. Luego de un tour que contó con otro Hanoi, Nasty Suicide, en guitarra, se separaron, dejando un terrible disco que hace años se encuentra descatalogado.

CORROSION OF CONFORMITY
“Deliverance”

Como dije alguna vez, “Deliverance” es el “Master of Reality” de los noventas. Esta comparación no es odiosa: COC demostró todos sus pergaminos en una placa imperdible de principio a fin. Contando por primera vez con Pepper Keenan en la voz y guitarra a tiempo completo, la decisión probó ser harto acertada y tomando el rastro dejado por Black Sabbath, en una época donde el Stoner estaba haciendo bastante ruido, llevaron su influencia hacia terrenos cancioneros.

JOHNNY CASH
“American Recordings”

Lo que se dice, un verdadero retorno, de los más significativos e ilustrativos que se recuerden. La historia encumbró a Rick Rubin y ciertamente resulta imposible minimizar la gestión del gurú discográfico. Con un envidiable gran tino, Rubin le sugirió a Cash simular que estaba en el living de su casa, algo que efectivamente sucedió, ya que muchas de las canciones fueron grabadas allí. Aferrándose al formato acústico prescindiendo de una banda estable, Cash recuperó su estatus perdido durante los ochentas para llegar a los grandes festivales alternativos, como el Lollapalooza.

PRONG
“Cleansing”

Helmet, Pantera, Sepultura y Biohazard ya habían sacado sus discos definitorios: sólo faltaban los, Prong, que con “Cleansing” derribaron todas fronteras. Tommy Victor pulió sus dotes como compositor, respaldado por un dream team que contó con Paul Raven en bajo, quien provenía de Killing Joke, una de las bandas que más influenció a los oriundos de New York. La excelsa producción de Terry Date permitió que “Cleansing” pase de ser un gran disco a un clásico de la década.

MEGADETH
“Youthanasia”

El último gran disco de Megadeth. Por primera vez utilizan afinaciones más graves (un semitono debajo de la afinación standard) en temas más relajados, que si bien no pierden en tecnicismo, suenan menos intrincados. La portada por Hugh Syme es para enmarcar, de las más logradas que se recuerden. Con este disco vinieron por primera vez al país, en cinco shows en el mítico Estadio Obras que pasaron a la historia.

sábado, 18 de enero de 2014

20 discos a 20 de 1994 pt. II


HERMÉTICA
“Víctimas del Vaciamiento”

“Este disco es más pesado, no tan speed como “Ácido Argentino” declaraba Ricardo Iorio en su momento. Y tenía razón. Tomando el nombre de una de las canciones del autotitulado debut discográfico, “Víctimas…” probó que La H podía tener sus rebajes y aún seguir sonando pesado sin concesiones. Asimismo, contó con un presupuesto más abultado en la producción, lo cual impactó directamente en el resultado final. El futuro se vislumbraba brillante, pero pocos meses dirían adiós, para nunca, nunca volver.

A.N.I.M.A.L.
“Fin de un Mundo Enfermo”

El golpe de timón que el Metal argentino necesitaba. Uno de los mayores méritos de A.N.I.M.A.L., además de sus canciones y su sonido acorde a la época, fue que probaron que una banda sin ex integrantes de V8 podía lograr una convocatoria sólida. Aferrándose en demasía al mensaje aborigen, con el ingreso de Martín Carrizo en batería pudieron explotar la faceta percusiva. “Sólo PorSer Indios” se transformó en un clásico indiscutido y la carrera del trío no haría más que crecer.
 
MASSACRE
“Galería Desesperanza”

Una maravilla, de principio a fin. Apenas en su segundo disco y Massacre demostraba una madurez que muchos no logran en décadas. La siempre inquieta guitarra de Pablo M. dota de personalidad a una banda única en su especie, que se influenció por muchos pero que nunca se pareció a nada. Un verdadero oasis en la música nacional.

SUEDE
“Dog Man Star”

¿Brit Pop? Claramente las etiquetas nunca le hicieron suficiente justicia a Suede, una de esas bandas que encandilan y provocan romances a primera oída. “Dog Man Star” es claramente más elaborado que su predecesor y su espíritu barroco le calza a la perfección. Bello por donde se lo mire.

MANIC STREET PREACHERS
“The Holy Bible”

La obra cumbre de los galeses. En tan sólo dos años lograron una evolución admirable, que incluso no pudieron siquiera igualar. Sin dudas, la mayor virtud radica en que “The Holy Bible” suena a “The Holy Bible” y a nada más que se haya hecho antes o después. ¿Las líricas? De las más iluminadas que un grupo haya logrado. Al día de hoy me sigue conmoviendo como la primera vez. ¿Ya pasaron veinte años? ¡Mierrrrrda!

jueves, 16 de enero de 2014

20 discos a 20 de 1994 pt. I


La nostalgia me invade y no puedo dejar de hacer un listado con la premisa obvia de "a tantos años de...". Retromanía, ida y vuelta. Pero esta no es una lista más, o al menos no lo es para mí. No figuran arbitrariedades de "los obligatorios", no hay orden específico y no es un listado de los imprescindibles. Son los que más me gustan y ya.

This is my truth, tell me yours.

OASIS
“Definitely Maybe”

Sex Pistols + los Beatles + Jesus and Mary Chain en canciones históricas, de urgencia Pop y melodías entrañables. Los hermanos Gallagher se hicieron conocer al mundo reposicionando a Manchester como usina de hits. La frescura y su falta de prejuicios lo hacen insuperable.

THERAPY?
“Troublegum”

1993 pareció ser el año de los irlandeses Therapy?: habían logrado trascender del under a las pantallas de Hollywood y la fama estaba al caer. Pero lo mejor llegó apenas un año más tarde, gracias a trece canciones propias y un cover (“Isolation”, de Joy Division) que adelantó lo que estaba por venir. Belleza.

THE WiLDHEARTS
“Fishing for Luckies”

Seis canciones (que originalmente se conseguían sólo a través del fan club… ¡una verdadera locura!) en donde el ADN musical de Ginger queda más claro que nunca. Thrash, Pop, Rock, Punk, Glam... bueno, ¡todo eso y mucho más!

MÖTLEY CRÜE
“Mötley Crüe”

Echar a Vince Neil pareció ser la decisión indicada: estas doce canciones te pasan por encima como una tromba. El ex The Scream John Corabi tomó el fierro caliente y no sólo compuso letra y música, sino que también se hizo cargo de la guitarra rítmica, dándole un salto de calidad a un grupo que veía como la década se lo comía vivo. Incluso Glenn Hughes participa en la sublime “Misunderstood”. Entonces, ¿por qué no funcionó comercialmente? Misterios sin resolución.

HELMET
“Betty”

“Meantime” parecía ser un hito inalcanzable en la carrera de los comandados por Page Hamilton, pero en su tercera placa de estudio pulieron su propuesta e incluso la tornaron más seca, entrecortada, ajena al cimbronazo post-alternativo. “Milquetoast”, “Wilma’s Rainbow” y “Biscuits For Smut”, los tres cortes de difusión, demostraron el buen tino compositivo de Hamilton, quien se da un pequeño gusto tributando a Dizzy Gillespie con “Beautiful Love”.

lunes, 6 de mayo de 2013

Ozzy Osbourne "No More Tears" (Epic, 1991)

Fue en el verano de 1993, cuando mi amigo Gustavo (alias Chuyo) me invitó de vacaciones a Villa Gesell. Chuyo es uno de mis mejores amigos, crecí junto a él y a pesar de que yo soy algunos años mayor, siempre conectamos. Así que para mí el círculo cerraba perfecto: recién había terminado la primaria, ya me había anotado en el secundario y uno de mis mejores amigos me llevaba de vacaciones con su familia. Nada mal, ¿no?

El viaje de ida fue lo más: la hermana de Chuyo (unos años mayor que nosotros) puso en el pasacasetes una y otra vez "Loco Live" de los Ramones y "Live" de AC/DC, dos discos en vivo inmensamente populares para la época. Yo me había comprado la Kerrang! española número 2 (con Metallica en la portada) para matizar los momentos de lectura. Un año antes, había comenzado a escuchar música Rock y Heavy Metal y me empababa de cualquier publicación afín o que tuviera algo relacionado con el género: Heavy Rock, Madhouse, Rock and Pop, Metal, Rock Power, la mencionada Kerrang!, etcétera. Estaba dando mis primeros pasos, sí, pero a pasos acelerados.

Volviendo a Gesell, caminando por la Avenida 3 vi una disquería y me volvió el alma al cuerpo. Los precios eran elevados, es cierto, pero el material abundaba. No sé por qué pero por aquél entonces encontraba más variedad en las disquerías del interior que en las de Capital. Revisé, pregunté y sobre el mostrador ahí estaba, esperándome, el casete de "No More Tears" de Ozzy Osbourne. A Ozzy lo re tenía de nombre, porque además de haber leído sobre su leyenda en todas las revistas que consumía, tenía muy presente el afiche promocional del disco, aquel legendario tour que contó como banda telonera a Love/Hate (a quienes conocería unos meses más tarde). No había dudas: debía ser mío.

Como muchos de los chicos de aquella generación, contaba con walkman, que había llevado conmigo. Me lo habían regalado mis padres y, con total franqueza, no había elegido el modelo más copado, pero su diseño (exótico, símil CD) inexplicablemente lo puso por delante en mi consideración por sobre un Sony. Fue sólo presionar play: el tecladito macabro se asomó por los auriculares y listo, quedé encandilado.

"No More Tears" suena pesado, fuerte, pero con un toque rockero y con estribillos pegadizos, con puentes gancheros. ¿Y las letras? Me encantan las letras autorreferenciales de Ozzy, me dan ternura. El tipo no teme admitir todas las cagadas que se mandó, celebrando estar vivo para contarlo. Es cierto que en algunas le dio una mano su amigo Lemmy, pero a mí me gusta pensar que son todas autorías del gordo (Lemmy sí le compuso "Hellraiser", que también grabó con Motörhead para "March Ör Die": las dos versiones me parecen buenísimas). En la foto del booklet aparece como bajista un púber Mike Inez aunque lo cierto es que el histórico Bob Daisley se encargó de todos los bajos. Bob no es un pájaro de mal agüero y la tiene re-clara, su bajo suena con cuerpo (se me ocurre que habrá sido un Precision lindo, de esos viejos, de los setentas) y se ensambla a la perfección con el entrañable Randy Castillo, que pasa casi desapercibido pero se manda arreglos muy copados. Claro que luego de Ozz, el héroe de esta placa se llama Zakk Wylde, que acá saca chapa de compositor e incluye muchos toques que iría repitiendo a lo largo de su carrera (esa faceta Country que no ocultó en Pride & Glory). Para la producción se habían contemplados nombres como el de Rick Rubin, pero luego de infructuosas sesiones se llegó a la conclusión de que no pegaba con la onda. Por eso el trabajo de John Purdell no puede dejarse de lado: el tipo logró que todas las buenas intenciones sean ataques certeros.

Amo este disco. Pero lo amo con pasión eh. Entiendo que Ozzy tiene al menos dos discos que lo pasan por arriba ("Blizzard of Ozz" y "Diary of a Madman", queda claro) pero este es mi favorito. Porque fue el primero que escuché. Porque lo escuché hasta gastarlo porque la palabra hartazgo aquí no aplica. Porque el video de "No More Tears" me hace acordar al juego VidGrid (¿lo tienen?). Porque toda mi vida estuve intentando tocarlo en guitarra y aunque aún sigo intentando, sus riffs me parecen de lo más poderoso que haya parido el Heavy Rock. Porque tiene baladas que me ponen la piel de gallina. Porque incluso los temas que no fueron corte de difusión la-gas-tan. Porque no me compré la reedición con bonus y toda la historieta: para mí, este es el disco, fue pensado así y así tiene que ser.

Y así llegué a Ozzy. Incluso antes de Black Sabbath.